Уссурийский художник Ким Коваль в ДВХМ

В 2022 года исполняется 92 года со дня рождения известного уссурийского художника Кима Петровича Коваля (1930-1994), творчество которого стало знаковым в развитии изобразительного искусства Дальнего Востока. Известный как основатель Уссурийской школы живописи, представляющей региональное художественное явление с самобытными характеристиками, Ким Коваль оказал влияние на общее развитие отечественного искусства второй половины ХХ века, обогатив дальневосточную живопись. коваль хабаровск

Очень одаренный мастер оставил разноплановое живописное и графическое наследие, но основным для него был жанр живописной картины, в которой большое значение отводилось пейзажному плану. Именно в нем полностью раскрылся талант художника.

Ким Коваль всегда говорил, что он родился 5 декабря 1930 года в городе Никольск-Уссурийский. Однако это не совсем так. В действительности родился он где-то в Алтайском крае, но рано осиротел: еще до начала войны скоропостижно скончалась его мать Ольга Сергеевна, потом воевать на фронт ушел отец Пётр Семенович. Будущего художника привезли в г. Уссурийск в 1941 году, и по приезду он попал в детский дом. Однако вскоре его забрал дядя - брат матери Василий Сергеевич Анкуденко, который, будучи выпускником Омского художественного училища, первым заметил талант мальчика и стал развивать его. В 1943 году Ким стал посещать городскую студию военных художников при Доме офицеров. Студия была организована выпускниками Академии художеств Санкт-Петербурга братьями О.И. и Р. И. Фридманами, преподавание велось квалифицированно и серьезно, следуя программе высшего художественного заведения. В военные годы студией руководил А. Н. Ромашкин. Именно его Ким Коваль называл своим первым учителем, всегда тепло отзываясь о своем наставнике.

В 1945 году юный Ким, как самый способный ученик студии, вместе с бригадой военных художников командируется в КНР, где совместная интенсивная работа с профессиональными живописцами укрепляет его в правильности выбранного пути.

Ким мечтал о художественном училище во Владивостоке, но опоздал к сдаче экзаменов. Поскольку были необходимы средства для жизни, он поступил на курсы помощников машинистов паровозов и некоторое время работал по специальности. Затем проходил армейскую службу в Советской Гавани, где была открыта изостудия, давшая возможность в то время держать в руках кисть и карандаш. После демобилизации в 1954 году Ким возвращается в г. Уссурийск, где к тому времени начали работу мастерские Художественного фонда РСФСР, и становится художником-производственником, активно включившись в деятельность по выполнению художественных заказов, создавая портретные серии, сюжетные композиции, монументальные панно агитационного характера и другие произведения.

Под влиянием возглавляющего творческую группу мастерской Степана Федоровича Арефина - заслуженного авторитета в художественной среде Приморского края в середине ХХ века - Ким Коваль начинает все больше увлекаться станковой живописью, появляется стремление создать свою картину. Об этом моменте своей жизни сохранились воспоминания автора: «Сдружился я с местными художниками, ездил с ними на этюды, учился, ума-разума набирался. Во время этих поездок, помню, под впечатлением увиденного на природе и родилась у меня серьезная мысль написать картину о мальчишках-рыбаках. Чтобы осуществить задуманное, объездил все Приморье в поисках натуры. Писал хрупкие мосточки на речушках, вечернее состояние природы. В общем, написал я первую картину. Ее приняли хорошо и зрители, и товарищи-художники». Этот факт его творческой биографии кажется совершенно удивительным: он, начинающий художник-производственник, не имея специальной подготовки, написал картину. Не просто живописную картину, а свою первую станковую композицию, которая, получив одобрение у коллег по цеху, стала для него первым шагом в мир большого творчества.

Поворот в творческой судьбе Кима Коваля случился в 1956 году, когда Приморская организация Союза художников СССР провела закрытый конкурс на эскиз картины, тема которой по условиям мероприятия выбиралась автором. «Сюжет выбрал простенький: мальчишки провожают ледоход. И опять удача: первое место и премия - поездка в знаменитый Дом творчества «Академическая дача», - так вспоминал художник об этом событии, которое оказалось знаковым в его профессиональной карьере.

«Академическая дача им. И. Е. Репина» - старейшая творческая база Союза художников России и легендарное место вдохновения великих русских мастеров академической реалистической живописи - стала для Коваля возможностью погружения в океан живописного искусства с его уникальной атмосферой совместного пленэра и обмена художественным опытом мастеров из различных уголков страны. Это способствовало обогащению и расширению художественного мировоззрения молодого художника. Здесь, на просторах исконно русской земли, в Калининской, ныне Тверской, области у К. Коваля формируется тонкое поэтическое чувство русской природы, основанное на переосмыслении живописного наследия великих отечественных пейзажистов и собственных экспериментов с цветом.

Академические этюды К. Коваля отличаются простотой и даже скромностью избранного пейзажного мотива. Художник уделял большое внимание нюансам цветовых и тональных отношений, их гармоничному взаимодействию, стремился передать настроение и мимолетность быстро ускользающего состояния природной среды.

Цветовая палитра автора в ранних работах еще несколько сдержанна, тяготеет к землистым тонам с преобладанием охры, умбры, сиены, но и здесь обнаруживается стремление художника к мажорному цвету, который проявляется в сочных пятнах радующей глаз первой зелени, нежно-лимонных солнечных отсветах, розовых облаках.

Следует отметить, что открывшаяся в 1960 году в Москве выставка стала одним из крупнейших событий года в советском изобразительном искусстве: в экспозицию были включены произведения, представляющие творчество художника. В своих работах художник умело подмечает настроение времени, звучит душевная искренность и непосредственность как, к примеру, в картине «Первенец», которая во многом автобиографична (в 1955 году в семье Кима Коваля родился первенец - дочь Ольга).

В картинах «Одуванчики», «Васильки», «Подружки» Коваль выступает одаренным мастером, способным создать трогательные образы. В совершенстве владея композиционным даром, основанным на цепкой наблюдательности, он находит островыразительное пластическое решение, без излишней повествовательности изображая ничем особо не примечательный момент жизни, открывающийся зрителю сразу же, как яркое интенсивное впечатление.

Получив высокую оценку экспертов выставочной комиссии, Ким Коваль был принят в Союз художников, минуя кандидатский стаж. После выставки его избрали членом правления Приморской организации Союза художников СССР, а чуть позже - членом Республиканского выставочного комитета России. Но первый успех не вскружил ему голову, Ким Коваль продолжал много и самозабвенно работать, создавая большое количество этюдов с натуры для каждой картины и оттачивая живой и непосредственный «взмах кисти».

Картины уссурийского художника К. П. Коваля стали регулярно появляться на всесоюзных, республиканских, зональных художественных выставках. Стало очевидным, что первый успех молодого художника не был случайным. Произведения «Под солнцем» (1961), «Самолетики» (1963), «Пасека» (1962) и др., раскрывающие на фоне проникновенного пейзажа современную ему жизнь во всем ее многообразии, подтвердили в нем самобытный талант. Заметно усилилась выразительность полотен, углубилось их образное содержание.

К числу лучших картин этого периода, безусловно, следует причислить полотно «Весенние воробушки» (1963). На фоне еще не растаявшего снега детишки, сбившиеся в стайку, греются на солнце, как воробушки весной. К. Коваль вспоминал: «Весна тогда была ранней, и я задумал написать «свою весну»: писал деревенскую детвору, цветение вербы, талый снег, голубые мартовские тени, первые проталины, состояние тишины. И прежде чем приступить к работе над холстом, я еще и еще искал компоненты, которые полней и образней могли бы дать мне возможность передать то особое состояние весны». Это блестяще удалось! Ритмический узор пронзительно сине-голубых теней на снегу в сочетании с теплыми золотисто-охристыми пятнами проталин и деревьев создают симфонию рефлексов, от чего возникает особый «поэтический образ ранней весны».

Весенним мотивам посвящены как самые ранние его работы («Весенка», 1959), так и произведения зрелого периода творчества («Весна в Приморье», 1972, и др.). Любимый художником солнечный свет, заливая полотна, придает цветовым отношениям интенсивность, он пишет широко и пастозно. В то же время тонкая дымка воздушности создает лирическое настроение. Работы художника конца 1950-60-х годов впечатляют именно «лиричностью и уже обретенным профессиональным блеском» и созданы в лучших традициях русской реалистической пейзажной живописи.

Отношение автора к пейзажной картине всегда было очень обдуманным. Каждая его работа, будь это маленький этюд или большое полотно, имела самостоятельное значение с собственным эмоциональным содержанием. Нередко вдохновляясь натурным впечатлением, мастер пытался выразить на холсте обобщенный образ природы. С течением времени пейзаж Коваля приобретает панорамные характеристики, свойственные пейзажной живописи Дальнего Востока: художник пишет не фрагмент природы, а целое. «Он стремится осмыслить и обобщить все увиденное, желая более полно и глубоко выразить мимолетное», как, например, в произведении со звучным названием «Большая вода» (1966), где автором ёмко изображается буйство природной стихии. Творческое мышление Коваля усложняется, меняется и характер пейзажных картин: наряду с лирическими, появляются пейзажи эпического плана. В них раскрывается многообразие природы Приморья: просторы Ханкайских горизонтов сменяются горами Дальнереченского и сопками Хасанского районов, живописными морскими побережьями, затерянными в Уссурийской тайге долинами-распадками.

С 1960-х годов в советском искусстве художники начали вырабатывать новые творческие подходы в поисках изобразительных средств: динамичности, лаконизма, яркой эмоциональности и обобщенности. Активно разрабатывался новый суровый стиль, в котором романтизировались трудовые будни и люди рабочих профессий, а колористическая система, соответствующая задачам иллюзорно-пространственного метода изображения, сменилась плоскостно-декоративным строем, благодаря чему конкретная повседневность обрела монументальную обобщенность.

Пожалуй, особенно рельефно тенденции того времени, связанные с поиском более глубокого содержания и нового подхода к цветовому решению, проявились в работе К. Коваля «На далекой Ханке» (1968, рис.1). В ней цвет без тонких красочных градаций «приобрел пастозную плотность, материальную вещественность, басовую звучность» .

В произведениях 1960-1970-х годов все чаще присутствует тема труда, отображая общую идейную направленность советского искусства. Об этом говорят и названия работ: «Рабочий поселок» (1967), «Утро на руднике» (1967), «Весна на заставе» (1973), «Рудные горы» (1978) и др.

Происходит значительное расширение круга сюжетов, пейзаж становится особой средой для раскрытия характерных особенностей трудовой деятельности, а жанровые сцены «всегда живописно и пластически вплетены в пейзаж узором», как, например, в картинах «Рыбачки» (1969), «Сушка морской капусты» (1967), «Золото тайги» (1969).

В таких произведениях, как «Утро на руднике» (1967), «Пост Дальний» (1971) и др., конкретная повседневность трудовых будней обретает возвышенность, и тогда станковые произведения Коваля сближаются с монументальным искусством. В этом отношении показательна и картина на тему служения Родине, посвященная пограничникам, «Синь марта» (1967), украсившая обложку одного из выпусков журнала «Искусство» 1969 года. Однако это живое, эмоционально-проникновенное, насыщенное личными чувствами живописца полотно трудно причислить к образцам сурового стиля.

Жажда живописного восторга звучит сильнее героики труда во многих работах, и это не ускользало от внимания его коллег-живописцев: «Ким Петрович Коваль - художник внешне спокойного изучения действительности, и первенствующее значение в его полотнах принадлежит вовсе не сюжету, а специфически живописному восприятию реальности в действенной эмоциональной форме». Для исследователей это стало очевидным. Он работал в полную силу своего профессионального мастерства: насыщенная цветом, воздухом пространственная живопись умело организована по композиции, где прямолинейность по сюжету была предопределенной как примета времени в русле «так называемого советского большого стиля, потому что Коваль, конечно же, был человеком эпохи».

Картины К. Коваля на тему «прославления труда» экспонировались на многочисленных выставках, обеспечивая автору успех, который, однако, был для художника не главной целью. Он не мог работать лишь по заказу, но творил по душе и по любви к самой живописи, как и другие талантливые мастера, «точно определив выразительный язык и философию своего времени».

С большим азартом, виртуозно и вдохновенно выстраивая композиции, посвященные трудовым подвигам, Ким Коваль гармонично сплавлял их с пейзажем, который звучит в его произведениях то нежно лирически, то напряженно-эпически, а сам автор по праву заслуживает титул - «певец российского дальневосточного пейзажа». Он работал искренне, потому что «горел сердцем» и вдохновлялся самим процессом создания картины. Поэтому живописные работы К. Коваля с течением времени не теряют своей выразительности как в художественном, так и в эмоциональном плане. коваль хабаровск

1970-е годы. Уссурийская школа живописи. Творческая дача для приморских художников

Конец 1960-х годов ознаменован рядом важных событий в жизни Коваля: за успехи в творчестве Указом Президиума Верховного Совета РСФСР ему присвоено звание заслуженного художника РСФСР, он избирается членом правления Союза художников СССР и РСФСР. Обладая кипучей энергией, Ким Коваль совмещает активную общественную и творческую жизнь. Его работы с большим успехом экспонируются за рубежом, а также на заметных отечественных выставках, многие картины приобретаются художественными музеями3. В творческих поездках по стране - Кавказ, Прибалтика, север и острова Дальнего Востока - художник плодотворно работает, непрерывно обогащая свой творческий метод.

1970-е годы - это период творческой зрелости художника и, вместе с тем, это годы дальнейших поисков новых композиционных приемов, изобразительно-выразительных средств и тем.

Многие работы мастера были созданы в Андреевке - приморской деревне в Хасанском районе на берегу бухты Троицы Японского моря. В художественном отношении место стало знаменитым на карте искусства края и региона благодаря тому, что К. Коваль основал там творческую дачу для приморских художников. В этом удивительном по природной красоте месте, оказавшемся благодатным для отдыха и вдохновения, стараниями К. Коваля и его товарищей были продолжены традиции домов творчества центральной полосы России, а также заложены собственные.

В 2020 году творческая дача «Андреевка» отмечает полувековой юбилей. И сегодня она продолжает жить насыщенной художественной жизнью, а традиции, заложенные К. Ковалем, бережно сохраняются усилиями связанных с ним родственными и духовными узами уссурийских художников Ольги и Ивана Никитчиков. В память о К. П. Ковале в Андреевке ими установлена мемориальная доска и создан «Дом творчества им. К. П. Коваля», в котором ежегодно собираются на пленэры начинающие и состоявшиеся местные и зарубежные художники. Существует также премия им. К. Коваля, учрежденная семьей живописца специально для молодых дарований. Таким образом, дело, основанное К. Ковалем, продолжается.

Работы «андреевского» цикла «Моя семья» (1970), «Юля, Ира и Оля» (1971), «На даче в Андреевке» (1979) и др. полны согретых солнцем ярких, звучных красок, сохраняют безмятежную атмосферу летнего отдыха и счастливых моментов семейной жизни.

В семье К. Коваля царили любовь, внимание, понимание, гармония, что всегда обеспечивало художнику атмосферу для плодотворной творческой жизни. Вдохновительницей мастера, хранительницей его душевного покоя, любовью всей жизни, музой, женой и матерью его дочерей Ольги и Ирины была Юлия Лаврентьевна (в девичестве Боженова). Именно она послужила моделью для многих работ художника.

Яркое развитие получают темы счастья, материнства и щедрости природы, которые переплетаются в центральной работе этого периода «Лето. Август» (1974), отличающейся богатством образных ассоциаций.

К. Коваль работает над повышением декоративности своих полотен, которая достигается не только за счет своеобразия цветовых контрастов, но и за счет кладки широкого, пастозного мазка. Отчетливо проявляется его любовь к густой, подчеркнуто материальной фактурности и интенсивности цвета в натюрмортах, составляющих отдельный пласт творчества художника. К сожалению, формат статьи не позволяет остановиться на рассмотрении особенностей этого жанра в живописи Коваля. Отметим лишь, что в ковальских натюрмортах, особенно последних лет творчества, стремление к пиршеству цвета достигает своего апофеоза.

Немногим художникам удается создать свой живописный стиль: у К. П. Коваля это получилось. Благодаря таланту К. Коваля, почерку которого следовали и другие художники, об Уссурийской школе живописи как о ярком региональном явлении заговорили на российских и всесоюзных выставках. Благодаря его художественным приемам Уссурийская школа с ее самобытными характеристиками (декоративность, контурная обводка, витражный цвет, фактурная кладка живописного слоя, объемная пастозность мазка) получила известность в стране и утвердилась в отечественном искусствознании. коваль хабаровск

1980-е годы. Северная тема. Культура мира

Достигнув творческой и жизненной зрелости, приближаясь к 50-летию, Ким Коваль, казалось бы, достиг всех вершин: искусствоведы писали «нашел себя окончательно» . Однако в полотнах, представленных на очередной зональной выставке «Дальний Восток» в 1980 году, художник смог удивить всех оригинальным раскрытием «северной темы», которую развивали художники Дальнего Востока начиная с 1950-х годов.

«Художественное покорение» Ковалем севера Дальнего Востока начинается еще в конце 60-х годов: он совершает несколько экспедиций на Камчатку и Командорские острова. Побывал Ким Коваль и на Курильских островах, где был поражен удивительной островной архитектоникой Шикотана, нашедшей отражение в его этюдах и картинах. Он не входил в состав известной Шикотанской группы, но участвовал вместе с ее членами на многих выставках.

К. Коваль готовился к «встрече с Севером» задолго до первой поездки. Впечатленный северными работами художников-дальневосточников И. В. Рыбачука и К.И. Шебеко, воплотивших северную тематику в советском искусстве во всем ее многообразии, он, приглядываясь к творчеству талантливых современников, изучал их особый подход к натуре. И, когда встреча состоялась, по заявлению самого художника, ожидание его не обмануло: «Это было фантастически! После всего виденного на севере меня охватило чувство композиторства: идея за идеей... все это окрыляет и вдохновляет. Очень о многом хочется сказать в своих работах, чтобы передать на холстах хоть частицу того настоящего и неповторимого богатства этого прекраснейшего дара Земли. Я задумал серию работ на основе этой поездки».

Такие поездки стали не только источником новых впечатлений, но и стимулом к поискам новых художественных приемов и живописных средств, чтобы передать особый колорит, присущий северной земле. Мастер восторженно делился своими впечатлениями: «Цвет тундры - прямо чудо: краски были необычные! Она была желтая с красным.

Желтое - это карликовые березки и маленькая ива, а красное - ягодник голубицы, изумрудно-зеленый мох и только кое-где голубой бархатный ягель. Я с большим наслаждением писал все: писал ковер земли, писал, и в упор, сланник, ягодники голубицы и брусники, писал голубые озера, цветущую тундру, чукчей, яранги, быстрые реки, красную рыбу - юколу и прекрасных рогачей - оленей».

Богатством красок и звучностью цветовых отношений впечатляет «Осень в тундре» (1975), выдавая восторг живописца, изумленного редкой красотой тундры, композиция подчеркивает безграничность территории.

К числу наиболее удачных произведений К. Коваля, посвященных этому суровому краю, можно отнести работу «Весна на Севере» (1984). Художнику удалось показать в картине не типичный пейзаж, но образ, в котором поэтически отражено единение человека и северной природы, где «все напоено жизнью, наполнено движением» и звучанием песни севера.

Абсолютно новые грани открылись в творчестве Коваля после посещения им в 1979 году Кубы и спустя три года Индии - стран с экзотической природой и островыразительной самобытной культурой. Это дало возможность проявить себя в графике, которой прежде художник никогда не занимался.

Национальное кубинское своеобразие в графической серии, посвященной острову Свободы, передано темпераментно, с эмоциональной обостренностью и склонностью к импровизации. Соприкосновение с индийской культурой стало мощным импульсом для новых творческих открытий. В графике появились тонкие колористические переходы, линеарность, сложившиеся в сложный образ с орнаментальной и пластической выразительностью. Кубинские и индийские серии выдают особую жажду разнообразия, которая пронизывала все творчество Коваля. коваль хабаровск

1990-е годы. Москва - Уссурийск

Увлекающая сила дарования К. Коваля была такова, что «целый ряд лет, подобно своего рода локомотиву, он влек за собой в гору вереницу уссурийских художников, много взявших от него для своего дальнейшего развития», выдвигая Уссурийск из тени других приморских городов и придав ему статус важного художественного центра Приморья. Молодежь тянулась к Ковалю, и он, развивая традиции студийного обучения в Уссурийске, подготовил смену будущих творцов, которых часто называли «ковалятами». Ким Коваль стал родоначальником собственной художественной династии, передав свой опыт следующему поколению художников - Ольге и Ивану Никитчикам (заслуженный художник РФ Ольга Кимовна Никитчик - дочь К. П. Коваля), развивающим традиции в современный период.

Приложив большие усилия, Ким Коваль добился строительства в Уссурийске Дома художников, открытие которого состоялось в 1985 году, и создания в 1990 году Уссурийской организации ВТОО «Союз художников России», председателем которой он был последние два года жизни.

В 1987 году была организована персональная выставка Кима Коваля в Москве в центральном выставочном зале Союза художников РСФСР. Выставка стала своеобразным подведением итогов интенсивной творческой деятельности художника почти за три десятилетия самозабвенной работы и была высоко оценена. Об этом свидетельствовали отзывы, в которых указывалось и на то, что Коваль был единственным художником с Дальнего Востока, принимавшим участие во всех семи республиканских выставках «Советская Россия».

Последняя картина К. Коваля «Лилии для рыбачек Приморья» (1993) посвящена родному краю. Художник пишет не прозаический фрагмент жизни рыбачек, но создает метафорический, наполненный ассоциациями образ, в котором философски осмысляет саму жизнь, возвышая обыденное до бытийного.

Ким Петрович Коваль творил в полную силу, увлекая своим цветоносным восприятием мира, до самого конца. При изучении его творческого наследия очевидным становится то, что, плодотворно работая в рамках большого стиля советской эпохи, опираясь на традиции русского реалистического искусства, используя мировой художественный опыт предшествующих поколений, он создал свой отличительный живописный язык.

О.В. Козарезова, специалист по просветительской деятельности Главное фото: К.П. Коваль - Цветущий май

• Собрание Третьяковых в Дальневосточном художественном музее - читайте по ссылке